文/尹志军
作为一名艺术评论家，站在张辉远那些如同从余烬中剥离出的作品前，我感受到的是一种近乎偏执的、对物质本质的“夺权”。在当下的艺术生态中，评论一位青年艺术家的价值，不应只看他如何纯熟地运用传统，而应观察他如何与“工艺的惯性”保持距离。张辉远近两年的创作，展现了一个清晰的剥离过程：他不再满足于做一个火痕的“记录者”，而是通过对极端烧成条件的控制，在偶然性中嵌入某种带有叙事性的意志。这种进阶路径反映了当代陶瓷艺术的核心趋势——技艺不再是终点，而是通往观念的深水港。
（Ember Breath 余烬之息，2024，陶瓷，张辉远）
这种意志的植入，首先体现在他对于“痕迹语法”的重新书写。在自动化控温窑炉普及的效率时代，张辉远重返柴烧，本质上是一种对物质真实性的“反向抵抗”。在《Ember Breath 余烬之息》中，我们尚能看到他作为“引导者”的姿态，利用坯体造型与窑位流体动力学的博弈，去承接高温落灰的熔融，让沉郁的褐色与斑驳的铁锈红交织成一种灼热的呼吸。
（Acoustic 共鸣，2024，陶瓷，张辉远）
然而，到了《Acoustic 共鸣》，这种身体的介入变得更为强势且极具批判性。他抛弃了拉坯机的圆满，转而利用坯体半干时——那是泥土可塑性行将消失、抵抗力最强的临界点——用指尖进行大力的压迫。器身上那处略显突兀的凹痕，不是修辞性的装饰，而是指尖在泥料即将失去可塑性的瞬间强行留下的“对抗性挤压”。这种人工的“制作时间”与窑内的“烧成时间”重叠，使得他对材料的态度从顺应自然的“随缘”，进化为一种微观层面的定向干预。
（Unform 0，2024，陶瓷，张辉远）
如果说《共鸣》是温和的博弈，那么《Unform 0》则是一次对工艺禁区的决绝反叛。在传统的评价体系中，受热不均导致的局部碳化或开裂往往被视为必须剔除的“窑病”，但张辉远却反其道而行，将这种物理性的“缺陷”转译成了精神性的“符号”。他刻意追求这种“危险的临界点”，在杯体素净的表面上，诱导出一道如焦黑羽毛般坠落的裂痕，让原本致命的开裂变成了器物的脊梁。在这里，技法与观念不再是两张皮，他通过对随机性的“精准狩猎”，完成了从“手艺人”到“叙事者”的角色跨越。这是一种毁灭后的重生，他在这些所谓的“废品”中，以极致的视觉张力重塑了陶瓷的审美边界。
（The Three Realms 三界，22x16x5cm, 2023，陶瓷，张辉远）
这种叙事逻辑在《The Three Realms 三界》中进一步触及了物质属性的哲学转换。作品表面呈现出一种令人不安的质感冲突：一面是如鲜活血肉般温润的暗红，另一面则是如枯骨般惨白的龟裂。这种极端的视觉分裂，完全依托于其对窑内还原气氛与氧化环境的微观操控。这在陶瓷工程学上是一场硬仗，他迫使泥土在同一时空内经历“还原缩减”与“氧化重构”的剧变。这种“物质炼金术”让作品超越了视觉的惊悚，成为关于物质坍塌与重建的现场证言。泥土在火中经历的不仅是形态的改变，更是属性的转换，让器物具备了直击人心的哲学重量。
（The Wind Wove Her Longing海之思，180x150x25cm, 2024，综合材料，张辉远）
最终，张辉远的野心并未止步于器物本身，而是向着更大维度的场域转向。在大型装置《The Wind Wove Her Longing 海之思》中，他打破了陶瓷作为单一材质的局限，引入了编织纤维这种极具触感的媒介。绘有蓝色海浪与孤寂灯塔的瓷板，被粗粝、混乱的蓝色纤维强行“缝合”，这种“缝合”不仅是物理层面的连接，更是一种带有温度的“修复行为”。陶瓷关联着纪念碑式的坚硬与永恒，而手工毛线则指向日常劳作的柔软与私人记忆。尽管这种异质材料的结合目前尚带有一些生涩的拉扯感，但它展现了从“物”到“场”的野心，让陶瓷不再是陈列的对象，而成为了引导观众步入历史深处的记忆碎片。
然而，作为深度的批判者，我也在张辉远的作品中读到了一种“过度的自觉”。他在微观战场上的物质夺权固然硬核，但在某些瞬间，那种“干预”的痕迹显得过于直白，甚至带着一种唯恐观者看不懂的焦虑。当艺术家的意志完全覆盖了材料的自然呼吸时，作品有时会陷入一种紧绷的闭环。在未来的发展中，张辉远不应仅仅满足于做一个对材料进行“外科手术”的叙事者，而应尝试从“对抗物质”走向“容纳虚空”。他最值得肯定的地方在于，他从不玩弄廉价的词藻，所有的隐喻都扎根于对火、土、温标的极致掌控；但他也需要警惕，莫让技法成为了观念的囚笼。在火、土与时间的缝隙中，他正将手艺推向思想的悬崖边，而真正的跨越，或许在于学会在下一次窑火燃起之前，给他的“意志”松绑，让泥土在他日益纯熟的技术丛林里，重新获得一种不受控的、野性的呼吸。
