成都启像摄影培训：掌握美术功底让摄影事半功倍——文/成都启像文化艺术培训有限公司
经常有人说道：“摄影就是流动的画纸。”
《更大的信息：戴维·霍克尼谈艺论》里面谈到：“多数人觉得世界看似照片，我一直认为照片几近正确，但是少了一点点东西，失之毫厘，谬以千里，这也是摄影所探索的东西。”
大部分时候，我们相信照片。因为我们极为单纯地相信照片是现实生活里所抓取的一瞬间，它就应该代表着现实。但是很遗憾的是，任何事物的组成都包含着复杂的时空关系，当事物在某一个时间点的表象被提取出来时，很难像能承载一段时间的文字一样“公正”“客观”，而我们可以通过绘画或者摄影的虚焦、多重曝光、甚至更多“技法”让图片展示出更多带着“情感”的画面。
的确，不是所有的画家都成了摄影师，从摄影师转行到画家的人更是少之又少，而在近现代的知名摄影师中，无论是国内外，近一半是画家或者有绘画基础。
遗憾的是，中国国内的摄影机构，很少有把美术和摄影联系起来一起看做一门课程的。
我们可以回想起来，在学习绘画的初期，长期以往进行的一项训练便是写生，由简单的几何形体直到复杂的静物或人头，我们很难相信一个优秀的老师会让自己的学生从“画照片”开始进行美术学习。写生给了我们用手眼感知感知空间的直接训练，但是对于多数人而言：“我想，自己对于图像感兴趣，而摄影是大多数人看待世界的方式。”因此，我们美术专业出身的老师们进行了长期的观察，亲身参与其中，发现了学生在学习摄影的过程中，对“形体”、“空间感”、“冷暖感”、“虚实感”的把握都很欠缺，这往往是绘画中很重要的必修课。
而我们在此的理解是，当我们要学会创造图像时，首先要学会的，是质疑图像，然后构思图像，用画画的方式通过摄影呈现作品，以及它是怎样被观察，被创造的。
毕加索去那不勒斯看《法尔内塞公牛》时，注意到芭蕾舞者通过仰视角度时手会更大，因此他们的手比真实的要大一些。毕加索自己画着长着巨大双手的芭蕾舞者时，舞者们显得极为优雅。他知道当舞者们以哪种方式运动时，便刻意放大那种空间关系，使画面呈现更好的视觉冲击。
这充分说明，在具备“空间意识”，掌握物体“运动规律”时，其实在拍摄之前，学员们就做好了“预判”，并刻意去放大那种关系，让画面更美，这和很多特效电影制作的前后思路是如出一辙的。
关于绘画和摄影的话题，再来回顾我们的问题：绘画和摄影的区别在哪里？有绘画基础的人上手摄影会不会很快？
首先，在不同的语境下我们来定义这两种艺术手法都能得到不同的结果：摄影可以是艺术的，唯美的，纪实的，精神性的，甚至是偶然的，同样，绘画也可以是写实的，抽象的，记述的，历史的。
绘画中素描的能力就是将物件放置在可信空间中的能力，它极大的对摄影中的构图，灯光，颜色（黑白灰和明暗分割）、甚至空间透视的把握产生着作用。具备这种功底的摄影师，往往能排除视觉冲击极其强烈的作品，并能更好的理解“鱼眼”镜头、移轴镜头等特殊镜头带来的空间特效，使之不至于“失真”，甚至看起来具备美感。甚至在远近关系的处理上，更加优雅，我们熟知，摄影师在如何放置模特和景物上犹豫不在少数。
而绘画中的色彩，就是用色彩塑造画面体积、冷暖、甚至通过色调表达情绪的能力。有颜色对比的画面，往往更加立体、饱满。我们都知道，摄影受到天气、光线的客观影响，拍摄的图片往往不是最佳的色调，光线看上去也不会一步到位。所以，掌握了这些色彩关系的摄影师们，会通过RAW格式出片，在图片的后期制作上，融入一些自己更期待的色调，通过颜色来表达一些“情绪”，掌握得越透彻，表达起来越得心顺手。
摄影通过多年的发展，已经不再是简单的纪录功能，更多的人拿着一部专业相机，都有了想要“表达”的这么一个经历，这意味着，摄影的本质逐渐和绘画靠拢，并密不可分。
归根结底，我们熟知的摄影，和美术、绘画是师出同门的一项艺术。在学习摄影的过程中，如果将美术和摄影联系在一起，并深刻理解美术赋予摄影的含义，在学习摄影的道路上，一定会事半功倍。
